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Nom série  Au musée  posté le 19/08/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 1/5 (Vraiment pas aimé !)
Sur l’objet en lui-même, les premières impressions sont plutôt bonnes grâce à une présentation originale. Les lettres du titre sont découpées de sorte à faire apparaître la page de garde à travers l’épaisse couverture cartonnée. On y distingue des petites planètes, sous lesquelles s’affairent, outre les deux héros, diverses créatures incongrues (des lapins blancs costumés, des moaïs, un cafard géant, un pacman…), renforçant l’aspect fantaisiste de l’ouvrage. Et pour être fantaisiste, il l’est, c’est sûr...

Pendant les premières pages, le lecteur est bien disposé voire intrigué, tout à fait enclin à entamer ce voyage au sein du musée avec ces deux enfants. Le trait vaguement inspiré de Charlie Brown laisse supposer un humour pince-sans-rire dans l’esprit cartoon, mélange de gags et de réflexions philosophiques. La trame, quant à elle, semble vouloir se dérouler comme dans un jeu vidéo, où l’on passe constamment d’un univers à l’autre. On sent qu’on est dans l’absurde et que tous les délires sont permis. Jusqu’ici, tout va bien.

Pourtant, au bout de quelques pages, on se rend vite compte que ça ne décolle guère, constat qui ne cessera de se renforcer au fil de la lecture. A-t-on ri ou même souri ?… pas vraiment il faut bien le dire. Certes, les auteurs font preuve d’une imagination très débridée, ce qui est tout à leur honneur, mais les dialogues, abondants et sibyllins, viennent plomber l’ambiance. On se met alors à espérer une sortie rapide de ce musée qui ressemble décidément plus à un labyrinthe verbeux où la lecture est devenue mécanique, sans même l’envie de comprendre ce que Jan-Frederik Bandel a voulu exprimer, si tant est qu’il ait voulu le faire. La démarche est-elle surréaliste, psychédélique ou purement intello ? Un peu des trois peut-être, mais le lecteur, lui, semble avoir été totalement oublié. Au bout d’un moment, malgré tous ses efforts pour tenter de distinguer un semblant de sens au milieu de ce fatras indigeste où l’on passe sans arrêt du coq à l’âne en passant par la carpe et le lapin, son cerveau lâche et se cabre, sans pouvoir même se souvenir de ce qui a été vu à la page précédente.

« Au musée », signé de Jan-Frederik Bandel et Sascha Hommer, deux auteurs issus de la « nouvelle vague alternative allemande », était à l’origine publié dans un quotidien d’outre-Rhin. On peut concevoir que ces élucubrations pouvaient passer sous forme de strips dans un journal, mais réunies dans un pavé de 256 pages, elles se heurtent à une autre réalité formelle qui révèle les limites de l’œuvre. Sans intérêt aucun d'après moi. Je n'ai pas réussi à terminer, c'était tout simplement au-dessus de mes forces.

Nom série  La saga de Grimr  posté le 11/08/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
De manière frappante, c’est la première scène qui va donner le ton de l’histoire, lorsque Grimr, encore tout jeune enfant, échappe miraculeusement à l’épais nuage de cendres provoqué par une éruption volcanique, tandis que ses parents trouvent la mort. C’est à ce moment précis que le lecteur entrevoit la capacité de résistance exceptionnelle du jeune héros. Pourtant, à peine tiré d’affaire, Grimr sera pris pour un démon sorti des enfers par des trafiquants d’enfants passant là par hasard. Les odieux personnages vont néanmoins le capturer, réalisant bien vite le prix qu’il pourrait en tirer…Un être maléfique doublé d’un paria, c’est ainsi qu’il sera considéré par les habitants de l’île, lui, le cœur pur et sensible enserré dans une enveloppe « monstrueuse ».

Si au premier abord le trait peu paraître assez grossier, force est d’admettre au fil des pages qu’il cadre parfaitement avec le contexte où la vie semble reposer sur le caractère indomptable de l’Islande, une île aride au climat peu hospitalier, cernée par l’océan et menacée par ses volcans, où la nature a pu demeurer sauvage et belle… Le personnage principal symbolise à lui seul cette géographie, imprévisible et colérique, mais doté d’une âme pure. Totalement lié au pays qui l’a vu naître, Grimr est l’Islande ! S’attardant peu sur les contours et les détails, Jérémie Moreau semble avoir laissé libre cours à son intuition, axant davantage son travail sur les couleurs (les paysages à l’aquarelle sont superbes) et le mouvement, comme la lave s’échapperait d’un volcan, sans avoir pour autant négligé l’expressivité des visages.

Quant à l’histoire, elle est bien construite et d’une légèreté très appropriée, permise par le retrait des textes (d’excellente qualité) derrière le dessin, comme pour laisser la nature, puissante et silencieuse, dominer l’ensemble. Une nature qui se révèle être un personnage à elle seule, en quelque sorte l’alter ego de Grimr.

Ainsi, cette « saga » extraordinaire rappelle en partie, à travers le personnage de Grimr, le mythe de Frankenstein. C’est un fait, l’être humain n’apprécie guère la différence, a fortiori quand elle est monstrueuse, mais il se moque bien de savoir si les apparences sont trompeuses, et demeure sans pitié pour quiconque s’écarte de la norme, préférant bien souvent hurler avec les loups… Le cinquième opus de Jérémie Moreau, jeune auteur déjà remarqué pour Le Singe de Hartlepool, s’impose comme une très belle œuvre pour un personnage maudit et attachant, qui connaîtra même une histoire d’amour déchirante…

Nom série  La Petite Bédéthèque des Savoirs  posté le 09/02/2017 (dernière MAJ le 29/07/2017) Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Il y a des signes comme ça qui laissent à penser que la bande dessinée est en train d’acquérir un peu plus chaque année ses lettres de noblesse. A moins que ce ne soit la connaissance qui ait décidé de quitter les étagères poussiéreuses des universités pour se faire plus sexy, ne considérant plus déshonorant de s’acoquiner avec ce garnement parfois turbulent qu'est le neuvième art. C’est ainsi qu’en 2016, le Lombard inaugurait cette collection au slogan imparable : « Un spécialiste et un dessinateur s’unissent pour vous faire comprendre le monde en bande dessinée ».

Depuis, la collection a fait des petits et compte désormais seize ouvrages. Présentés dans un mini-format (13.9 x 19.6 cm) et comprenant entre 70 et 100 pages, chaque volume est réalisé par des auteurs différents (un expert de la question associé à un dessinateur). Les sujets couvrent des domaines extrêmement variés, de l’univers (avec en co-auteur Hubert Reeves, excusez du peu) au droit d’auteur, en passant par le heavy metal et les requins… Une ligne éditoriale en apparence disparate mais dont la folle ambition, à l’instar des fameux « Que sais-je ? », est d’aborder de façon ludique et sans restriction tous les thèmes de la connaissance humaine : histoire, pensée, science, culture, technique, nature, société…

On ne peut que se réjouir de l’apparition d’une telle collection et souhaiter bonne chance au Lombard. L’éditeur s’est donné les moyens de trouver son public avec non seulement un format peu encombrant mais également un tirage séduisant. Un beau mariage à célébrer entre la connaissance et la bande dessinée.

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12 - Le minimalisme
Une excellente entrée en matière sur un concept qui n’est pas vraiment nouveau et se retrouvait déjà dans l’art dès la Préhistoire. Si comme moi, vous vous êtes déjà retrouvé désorienté voire agacé devant une sculpture ou une peinture abstraite, ce petit ouvrage pourra vous fournir les codes d’accès pour tenter de comprendre, à défaut d’apprécier, ce que l’artiste a voulu exprimer. Pour les adeptes du minimaliste, « moins, c’est plus », car l’art ne sert pas qu’à faire joli mais aussi à faire réfléchir, en recourant parfois à la provocation. Une approche vulgarisatrice et ludique très appréciable.

17 - Internet
C’est une excellente idée que d’avoir créé deux mascottes dans le cadre d’une collection qui se veut à la fois didactique et distrayante. Pour ce faire, les auteurs se sont basés sur un fait réel qui s’est produit en 2011 en Géorgie, lorsqu’une vieille paysanne d’une région reculée priva tout le pays de l’accès à Internet en creusant un trou pour y chercher du cuivre, tranchant ainsi le seul câble optique qui reliait électroniquement la Géorgie au monde… démontrant toute la fragilité de ce moyen de communication. C’est ainsi qu’une discussion s’ensuit entre le bout de câble qui prend vie et la vieille femme, cette dernière étant là pour jouer le rôle de candide face au câble-boa qui va l’emmener en voyage à travers le cyberespace et son histoire.

Cela donne une narration très vivante, et le coup de crayon rond et vif de Mathieu Burniat, qui avait récemment mis en images Le Mystère du Monde Quantique, fait le reste. Le dessinateur s’en sort d’ailleurs beaucoup mieux ici, mais aussi sans doute en partie parce qu’Internet est un domaine qui recèle moins de nébulosités que la physique quantique pour le commun des mortels. Jean-Noël Lafargue développe le thème de façon assez exhaustive, des aspects techniques aux enjeux économiques, de ses bienfaits à ses dérives… Devenu en l’espace de vingt ans aussi vital que l’eau courante, Internet est finalement assez mal connu de par son histoire et son fonctionnement, et cet ouvrage vient judicieusement combler nos lacunes.

18 - Le conflit israélo-palestinien
Les récents événements viennent encore de le prouver, le conflit dans cette région du monde n’a pas fini d’empoisonner l’atmosphère… Tels deux frères ennemis, ces deux peuples semblent irréconciliables et leur querelles ne datent pas d’hier... Autant le sujet peut s’avérer rébarbatif et complexe, autant il fascine et reste le centre d’attention du monde entier de par ses répercussions délétères, inversement proportionnelles à la superficie géographique sur laquelle se déroulent les événements. De manière générale, la politique israélienne choque ceux que révoltent l’injustice et la violence, d’autant plus surprenantes de la part d’un peuple ayant subi lui-même la barbarie nazie.

L’ouvrage, par la voix de l’historien Vladimir Grigorieff, tente d’expliquer le conflit en remontant d’abord aux origines, nous livrant les clés factuelles nécessaires à une compréhension globale et raisonnée. D’une certaine façon, il fait appel à la capacité d’empathie de chacun en tentant lui-même de rester le plus objectif possible, se gardant bien de prendre parti pour l’un ou l’autre camp, tout en soulignant l’importance de parvenir à une cohabitation durable et respectueuse. Car, faut-il le préciser, Vladimir Grigorieff est aussi un pacifiste convaincu. Par son dessin minimaliste, Abdel de Bruxelles apporte un peu de légèreté dans la lourdeur de cette discorde, s’inspirant parfois de photos d’actualités et d’archives. Un outil synthétique et très utile pour appréhender un conflit millénaire aux ramifications multiples, dans un état d’esprit optimiste, si tant est que cela soit possible…

Nom série  Au pied de la falaise  posté le 11/07/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Avec cette bande dessinée, ce qui attire l’œil immédiatement, c’est ce graphisme très séduisant, tout en souplesse et en rondeur, étayé par une colorisation chaude aux tonalités tirant sur le marron. Le tout dégage une beauté à la fois sombre et lumineuse, reflétant parfaitement ce vaste continent (l'Afrique) qui fascine et fait peur en même temps, car profondément enraciné dans le culte des ancêtres et des croyances surnaturelles, où la vie est intimement liée à la mort.

Avant tout illustrateur, ByMöko, dont c’est la première bande dessinée, semble avoir mis tout son cœur dans cette œuvre, on le sent par le soin apporté au dessin et ce souci du détail dont chaque case est empreinte. A travers plusieurs récits courts, on suit ce garçonnet dénommé Akou depuis l’enfance, au moment où il vient de perdre son grand-père, jusqu’au début de l’âge adulte, tandis qu’il s’apprête à devenir le chef du village. Une succession d’anecdotes mêlant humour et poésie résume le parcours initiatique de l’enfant, qui se construit grâce aux diverses expériences vécues dans son village.

ByMöko dit avoir écrit ces petites histoires comme s’il avait composé des textes de chansons, car c’est une autre occupation de l’auteur, un peu musicien à ses heures. L’homme se révèle ainsi être un touche-à-tout, curieux de tout, mais surtout de ce continent sur lequel il n’a, chose étonnante, jamais mis les pieds. Car l’Afrique le passionne sincèrement mais il la connaît davantage à travers la communauté africaine de France.

Ce qui est mis en scène par le biais de ces mini-fables, c’est une Afrique idéalisée et intemporelle, peut-être pas forcément réaliste, mais l’auteur, un rien candide, le reconnaît volontiers, il a puisé son inspiration dans les livres qu’il a emmagasinés, fasciné depuis longtemps par ce continent. Pour ce qui est des personnages, il s’est inspiré des amitiés africaines qu’il a nouées au fil des années. Pourtant, si ces histoires se déroulent en Afrique, elles possèdent le caractère universel des fables. Des fables légères qui distillent leur petite musique vibrante d’amour et de bienveillance.

Humaniste et bâtisseur de passerelles, ByMöko, trouvant les arts « trop souvent cloisonnés », a fait de cette BD un projet choral et polyartistique, avec la participation de Abdou Diouri (photographe/webdesigner), de Semmy Demmou (photographe-vidéaste) et de Tismé (musicien/beatmaker) :
Le site : http://aupieddelafalaise.com/
Le clip : vimeo.com/user64652547
Le EP 7 titres : https://aupieddelafalaise.bandcamp.com/album/au-pied-de-la-falaise

Nom série  Les Petites Victoires  posté le 30/06/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Julie Dachez nous l’avait expliqué dans La Différence invisible, paru il y a un an chez Delcourt, l’autisme peut recouvrir plusieurs formes. Elle-même décrivait de façon « humoristique » le syndrome Asperger dont elle était atteinte. De la même façon, Yvon Roy a choisi de traiter ce récit autobiographique sur un mode léger et sans pathos, alors que contrairement à Julie Dachez, l’autisme de son fils était beaucoup plus aigu au départ, menaçant gravement son équilibre psychologique et par ricochet son adaptation sociale.

Avec sobriété et une certaine dose de poésie, l’auteur québécois nous narre son expérience en évitant l’auto-apitoiement, ce qui est déjà fort appréciable. En outre, son témoignage va à l’encontre de tous les clichés sur l’autisme, démystifiant gentiment les méthodes éducatives prétendument adaptées du milieu socio-médical.

A force d’abnégation et de courage – et il en fallait pour affronter les crises récurrentes de son fils -, le père, refusant de se résigner, réussit progressivement à briser, avec son intuition créative, la cage de verre dans laquelle la chair de sa chair semblait devoir être cloitrée à vie. Son récit pourrait fort bien faire référence et redonner espoir à tous les parents dans le même cas. C’est magnifiquement raconté, les personnages et les situations sont justes. Petit à petit, on voit Olivier prendre goût à la vie, et parallèlement le redonner à son père, plus vivant que jamais, ravi d’apprécier enfin une complicité inattendue avec ce fils différent et néanmoins attachant. Le dessin, sobre et délicat, traduit bien l’état d’esprit du narrateur.

« Les petites victoires » constituent un récit revigorant, une admirable leçon de vie qui prouve qu’il n’y jamais de fatalité face à ce type de situation, et par la même occasion, nous fait relativiser, nous les « bien-portants », nos petits tracas du quotidien.

Nom série  Ralentir  posté le 19/06/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 3/5 (Pas mal)
Ralentir, dans un monde qui nous pousse à aller toujours plus vite, à être plus performant, à viser toujours plus haut, ça n’est pas si simple. La crainte d’être mis hors circuit est quelque chose de bien compris par la « matrice productiviste » conçue pour nous conduire par foules entières vers un monde aussi accueillant et lumineux qu’une publicité pour les assurances… Et gare à qui s’aviserait de quitter le troupeau ! Dans cette histoire, le VRP David, bien qu’épuisé par son métier, est prêt à se mettre « en marche » en acceptant une promotion de sa direction. Mais un enchaînement d’événements va concourir à provoquer un déclic chez ce dernier. Tout d’abord, la rencontre inopinée d’Emma qu’il va prendre à son bord, puis l’accident de voiture mortel sous leurs yeux d’un homme qui n’a pas pu « ralentir » à temps, et enfin un arrêt obligé d’une nuit (en raison des conditions météo) dans une communauté d’altermondialistes bons vivants… et quelque peu « déconnectés »… autant de hasards qui vont le conduire à s’interroger sur ses choix professionnels…

Après Plogoff et 100 Maisons - La Cité des Abeilles, Delphine Le Lay et Alexis Horellou creusent leur sillon social avec leurs histoires sans prétention, dans un esprit militant empreint de bienveillance, sans volonté de culpabiliser. Avec eux, un autre monde est possible, mais c’est par l’exemple et non les grands discours que le monde changera, et « Ralentir » en est la parfaite illustration. On pourra toujours arguer que la psychologie des personnages, si attachants soient-ils, reste schématique, mais Delphine Le Lay a choisi de privilégier l’axe politique plutôt qu’intimiste. Il n’en reste pas moins que ce récit dégage une grande humanité, que Horellou, avec son trait semi-réaliste, parvient à faire ressortir à travers les physionomies, les attitudes et les cadrages.

« Ralentir » aurait pu avoir comme sous-titre « Carpe Diem ». En effet, cette œuvre nous invite à suspendre le temps qui passe et à nous interroger sur notre mode de vie, nous, glorieux représentants de l’homo-technologicus, habitués de plus en plus à satisfaire nos désirs en un clic, et donc de moins en moins enclins à s’interroger voire à se remettre en question. Le progrès est une chose magnifique, mais qui a toujours exigé la monnaie de sa pièce. Quelle sera-t-elle dans les années qui viennent, étant donné que le progrès en question semble suivre une courbe exponentielle ? Ne faudrait-il pas ralentir, à défaut de s’arrêter, et réfléchir un instant ? Il va sans dire que dans une tendance globale à l’individualisme cynique et au « toujours plus », le récit du duo (et néanmoins couple) Le Lay/Horellou est rafraichissant dans sa simplicité et sa générosité d’âme.

Nom série  Le Fulgur  posté le 15/06/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 3/5 (Pas mal)
Pour tout dire, l’histoire a un côté tellement désuet qu’il paraît difficile de croire que ce n’est pas un parti pris… on pense notamment à ces vieilles bandes dessinées d’aventures des années 50, d’une naïveté qui paraît presque amusante pour le lecteur de 2017. Le récit est balisé par la voix off de l’auteur d’un journal de bord dans un style factuel quelque peu compassé, mais qui correspond néanmoins parfaitement à l’époque où se situe l’action. Quant au Fulgur, le sous-marin dédié à l’expédition, il complète le contexte « dix-neuvième » de l’aventure avec son aspect très steampunk inspiré de l’univers de Jules Verne.

A défaut de fulgurances, Christophe Bec ne craint pas de livrer des extravagances scénaristiques – bien que justifiée par des explications pseudo-scientifiques - dans un cadre très académique, lesquelles peuvent parfois faire soit sourire, soit écarquiller les yeux de perplexité, soit les deux à la fois (la scène du requin pendu par la queue, celle-ci étant coincée dans les rochers…). Doit-on préciser que la psychologie des personnages est remisée au second plan, ceux-ci n’étant que les faire-valoir d’un récit pour le moins rocambolesque, où nos héros parviennent toujours comme par miracle à se sortir des plus mauvaises passes. Qui plus est, on ne verra aucune femme pour distraire notre escouade masculine de son objectif ! Clairement, on n’est pas dans « Alien »…

Pour ce qui est du dessin, Dejan Nenadov assure le job sans pour autant faire preuve d’un style très caractéristique, mais après tout ce n’est pas ce qu’on lui demande. Ici, il fallait juste du réalisme et le résultat reste professionnel. Le travail sur la couleur, dans des tons marron et bleuté, est soigné, ce qui contribue à s’immerger plus facilement dans cette aventure.

Malgré toutes les réserves énoncées plus haut, on peut néanmoins décider de ne pas se prendre la tête et considérer cette bande dessinée pour ce qu’elle est : du pur grand spectacle au charme suranné dont le seul but est distractif. Il faut noter par ailleurs la jolie couverture bénéficiant d’un tirage mat très plaisant.

Nom série  Perséphone  posté le 09/06/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Cette adaptation du mythe grec de Perséphone est plutôt une bonne surprise. Et si cet album est clairement destiné au public jeunesse, les adultes pourront également l’apprécier sans déplaisir aucun. Cette bande dessinée d’un auteur français est très influencée par le manga d’un point de vue graphique, ce qui peut s’expliquer par le fait que celui-ci réside au Japon. Loïc Locatelli-Kournwsky n’en est pas à sa première production, mais c’est la première fois qu’il s’inspire de manière si flagrante de la BD nipponne. Il opère ici un croisement étonnant, tout en s'inspirant des codes du manga, entre la mythologie grecque et les fifties américaines pour le décor. Sous des apparences sommaires, le trait est en fait assez détaillé quand il est question notamment de représenter un environnement urbain. L’imaginaire riche de l’auteur et le fond mythologique font le reste, et tout cela contribue à un univers foisonnant et attachant.

La narration est pour le moins enlevée, avec quelques scènes – heureusement non prédominantes - de combat à la sauce « ninja », un des aspects les plus agaçants du manga. Cela reste néanmoins supportable car dilué dans la narration en question et l’univers graphique évoqué plus haut. Quant aux personnages, ils sont plutôt bien campés malgré l’hyper-stylisation des visages. A travers la jeune héroïne Perséphone et sa quête vers elle-même est abordée en filigrane la question de la filiation, l’adolescente étant la fille adoptive de Déméter. Les autres thèmes abordés concernent la corruption du pouvoir et le partage des richesses, un sujet hautement actuel de notre monde réel. La Porte des Enfers, bloquant l’accès entre Eleusis et le monde souterrain, symbolise parfaitement les nouveaux « murs » se dressant entre un Occident riche et un « Sud » en proie à la misère et à la guerre. En avançant dans l’histoire, on réalise que les habitants de ces enfers n’ont rien de diabolique, bien au contraire…

« Perséphone » est donc un album à recommander à tous les lecteurs de « 7 à 77 ans », retenant l’attention par l’originalité du traitement et toutes les raisons évoquées plus haut. Si Loïc Locatelli-Kournwsky promeut l’échange entre les peuples par le biais de cette histoire, il le met en pratique intelligemment avec ce mariage intelligent entre la BD européenne et la BD japonaise, qui, n’étant pas du tout un copier-coller stupide de la seconde, pourrait ainsi séduire les plus rétifs vis-à-vis du manga.

Nom série  Les Cent Nuits de Héro  posté le 27/05/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Avec « Les Cent nuits de Héro », Isabel Greenberg renouvelle de façon originale le conte pour enfants. L’auteure anglaise a conservé les dieux et les châteaux, mais a confiné aux oubliettes les princes charmants… Fini les belles au bois dormant qui se morfondent dans leur baldaquin en serrant amoureusement le pendentif offert par leur tendre époux parti guerroyer… Désormais, les princesses prennent l’initiative en racontant elles-mêmes les histoires, tout en trompant leur mari avec leurs dames de compagnie. Cloîtrées peut-être, mais surtout caustiques, féministes, érudites, et toujours amoureuses, en un mot, modernes.

Et comme visiblement Isabel Greenberg raffole du genre, elle a opté pour des contes à tiroirs, faisant ainsi preuve de maîtrise narrative, signe distinctif de tout conteur digne de ce nom. Son trait révèle une certaine gaucherie, qui semble d’ailleurs assumée, laquelle est compensée par une esthétique et des couleurs cohérentes, mais surtout une touche poétique indéniable. Un style qu’on pourrait qualifier de primitivisme moderne, tout en angles, assez austère, accréditant l’idée qu’on n’est pas chez Disney. Définitivement, Greenberg n’a pas destiné ses histoires aux enfants mais plutôt pour un public adulte.

On pourrait y voir un pied de nez aux contes traditionnels où le rôle de la femme est réduit à la portion congrue. Tout au long de ces « Cent nuits », le mâle dominant en prend pour son grade et se voit moqué tel un pantin aussi odieux que risible. Certains pourront s’agacer de ce qui peut être vu comme un parti pris éhonté (certes, les hommes y sont rarement dépeints à leur avantage), mais ce serait oublier un peu vite le machisme persistant à l’encontre de la « moitié de l’humanité », ce machisme sédimentaire qui a imprégné depuis si longtemps les esprits et qui souvent est toléré par celles qui en sont les premières victimes, en particulier dans certains pays où un visage féminin non voilé est perçu comme une provocation… Car si heureusement le statut de la femme a évolué depuis plusieurs années en Occident, il a parfois tendance à régresser ailleurs, un constat qui nous rappelle que rien n’est jamais acquis…

Peu disposée à accepter cet état de fait, Isabelle Greenberg a choisi de réhabiliter le rôle de la femme. Elle en fait ici des conteuses unies par la même cause : la libération de la parole et la transmission de la mémoire, conditions nécessaires de leur liberté, tout en dénonçant le rôle que l’homme (avec un petit « h ») s’est octroyé abusivement, n’hésitant pas à interdire la lecture aux femmes sous le prétexte fallacieux de la religion. Ainsi, « Les Cent nuits de Héro » allient de belle manière la magie des contes d’antan et le combat féministe.

Nom série  La Terre des fils  posté le 27/05/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Même si on n’a pas lu le résumé avant, on se doute dès les premières pages que quelque chose ne tourne pas rond sur cette Terre des fils. Ces deux garçons sales et loqueteux, à l’air dégénéré, transportent trop de folie et de primitivité pour être de simples idiots d’un village bien de chez nous… et le malaise, déjà prégnant, ira croissant à partir du moment où l’un deux tue sauvagement un chien. S’ajoute à cela une atmosphère crasseuse et menaçante dans un cadre désolé, envahi par des eaux boueuses, où pullulent rapaces et mouches attirés par quelque cadavre pourrissant.

Et peu à peu le lecteur va devoir réunir lui-même les pièces du puzzle car Gipi ne dévoile rien du contexte, se contentant de livrer des éléments au compte-goutte. On devine qu’une grave catastrophe d’ampleur mondiale est survenue dans un futur très proche, mais sans jamais savoir quelle en est l’origine ou la conséquence, ni dans quel pays se situe l’action. Mais au final, ce n’est pas tant cela qui est important. Ce que l’auteur a voulu mettre en avant ici, c’est cette faible distance, bien plus faible qu’on ne le pense, séparant notre civilisation prétendument avancée de la barbarie la plus primitive. Désormais, les hommes sont livrés à eux-mêmes, affaiblis, sans repères. Les infrastructures du monde civilisé se sont effondrées, il n’y a plus d’électricité, plus d’agriculture, plus d’eau courante, plus rien… seules les ruines d’un passé industriel tiennent encore debout. Les livres semblent avoir été enfouis sous les décombres de l’ancien monde. Le langage est rudimentaire, mélange de français déstructuré et d’onomatopées. Les gourous belliqueux ont émergé sur les résidus encore fumants d’Internet, et le jargon utilisé fait écho de manière frappante à la vacuité de nos réseaux sociaux, où la réflexion philosophique cède trop souvent le terrain à l’égocentrisme et la médiocrité. Dans un tel contexte, le père a choisi d’élever ses enfants à la dure, dans le seul but de les protéger. Car tel est le constat : non seulement l’amour n’a pas sauvé le monde, mais c’est la haine bestiale qui l’a emporté, et pour longtemps semble-t-il...

Le cahier noir du père, dans lequel ce dernier semble confier ses états d’âme, est un élément central de l’histoire, dernier emblème de la Connaissance. Symbole fort d’un monde révolu, il apparaît comme une relique mystérieuse suscitant la fascination de ses enfants qui aimeraient bien se l’approprier, comme si la vérité, leur vérité peut-être, était contenue dans ce cahier.

Gipi a recouru ici au noir et blanc, un choix fort à propos pour décrire un univers de grisaille, dépourvue de joie. Son trait fluet et imprécis, tout en hachures fébriles, traduit bien la fragilité d’un monde en déshérence, tout en restituant parfaitement l’expressivité des personnages.

Comme dans un « Mad Max » où la testostérone aurait fait place à la dégénérescence, Gipi dépeint un monde au climat de plomb, bien plus terrifiant que le film précité, notamment par son absence d’humanité quasi-totale, imposant « La Terre des fils » comme une des bandes dessinées les plus puissantes et les plus perturbantes de ces derniers mois.

Nom série  La Malédiction de Gustave Babel  posté le 15/05/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Après avoir longtemps dessiné pour les autres, en particulier Serge Lehman avec qui il publia récemment L'Esprit du 11 janvier, Gess s’est investi dans un projet solo. Et le résultat est plutôt probant, même s’il faut bien l’admettre, on peut rencontrer quelque difficulté à rentrer dans l’histoire que l’on pourrait qualifier de thriller fantastico-surréaliste. Cette fameuse malédiction qui poursuit Gustave Babel, en pleine crise existentielle, c’est ce passé d’une vie qu’il n’a pas choisie qui le rattrape, celle d’un tueur à gages indifférent à son propre destin. Babel, poète érudit amateur d’art et dont le métier est à l’opposé total de ce qu’il est au fond de lui, va se trouver confronté, après une succession d’événements où les personnes qu’il doit tuer meurent peu avant son arrivée, à des visions cauchemardesques qui semblent faire référence à son passé occulté et à un mystérieux hypnotiseur affublé du masque de la mort.

Conçue comme une aventure, « La Malédiction de Gustave Babel » a pour cadre principal les bas-fonds d’un Paris ancien sous l’emprise de la pègre. Mais les visions récurrentes du héros en font un objet plus hybride où la poésie vient adoucir l’atmosphère violente liée aux fréquentations « professionnelles » de Babel. Pris dans les tentacules de la Pieuvre, ce dernier ressent un grand besoin de délivrance qui ira croissant dès les premières visions qui viennent l’assaillir. Dès qu’il se sent tourmenté, il lit Baudelaire, dont les poèmes agissent sur son âme tel un baume apaisant et l’élèvent vers des éthers de pureté.

Fidèle à son trait réaliste et nerveux, Gess nous offre de belles séquences oniriques. La mise en page reste efficace et la colorisation discrète, souvent aux limites de la monochromie. Le scénario est un brin touffu et tend parfois à perdre le lecteur, mais reste suffisamment captivant pour que celui-ci daigne s’y accrocher. Et pour les amateurs de beaux tirages, le travail d’édition est très soigné avec dos toilé et couverture en relief. Certaines pages comportent de fausses taches d’humidité, donnant l’impression que l’objet sort d’une épave de navire au fond des mers, accentuant la part de rêve…

Nom série  Les Solitaires  posté le 08/05/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 2/5 (Bof, sans plus)
Avec cette seconde publication d’un auteur quasi inconnu, tout s’annonçait très bien à en juger par l’ « emballage » : un gros pavé dodu comme on les aime, une couverture, très soyeuse au toucher, représentant un type au look de gangster à la fois cynique et mystérieux. En feuilletant l’ouvrage, on découvre un graphisme orienté « pop-culture » qui évoque d’emblée Charles Burns, un univers en noir et blanc violent, tourmenté, fascinant... MIAM, ça sent le chef d’œuvre ! se dit-on avec gourmandise. On soupèse de nouveau l’objet, on le caresse, ce qui a pour effet de libérer immédiatement dans notre cerveau des vagues de dopamine rien qu’à l’idée de s’y plonger…

C’est alors, qu’avec une fébrilité empreinte de solennité, on attaque les premières pages. Après une introduction en guise de mise en bouche, poème désabusé et envoûtant, invitation au voyage sur les chemins solitaires de la condition humaine, la deuxième histoire débute dans l’Amérique en crise des années 1920, où un gamin fugueur, embarquant clandestinement à bord d’un train de marchandises, va être confronté à la violence d’autres passagers, laissés-pour-compte d’un système implacable. Ce thème du « hobo ferroviaire » reviendra d’ailleurs tel un leitmotiv tout au long de l’ouvrage. Et c’est là que tout se complique. Le lecteur ayant eu à peine le temps de s’intéresser aux personnages qu’au bout de neuf pages, le récit s’achève de façon abrupte, enchaînant sur deux pastiches de vieilles réclames dont on saisit mal le message, puis un strip en micro-cases ironisant sur les valeurs familiales, un autre en lecture rotative à 90° juxtaposant la peur du vide et une icône de la culture populaire américaine. On arrive ensuite à une page qu’il faudra déplier (de nouveau en lecture rotative) pour accéder à une pseudo-fiche technique sur la Harley Davidson, autre emblème de la mythologie yankee, encombrée d’une pléthore de textes et de phylactères d’un intérêt douteux… En dehors de l’aspect extrêmement pratique (!), cet assemblage incohérent fait bien vite poindre une désillusion qui n’aura de cesse de s’amplifier au fil des pages.

Poèmes et récits (parfois) illustrés viendront également émailler cet objet polymorphe, qui, s’il doit être envisagé comme un recueil, se révèle au final un long pensum hybride et indigeste au lieu du chef d’œuvre attendu, risquant fort de tomber des mains de la plupart. Quand la déception est à ce point à la hauteur des espoirs, on a envie d’être encore plus sévère. Sous prétexte de poésie honorant le mythe du clochard céleste et par extension du looser kerouacien, peut-on s’autoriser à produire n’importe quoi ? La réponse est évidemment dans la question. Avec « Les Solitaires », Tim Lane semble n’avoir opté que pour la forme pour séduire, car il faut insister sur ce point, le dessin est de haute tenue dans sa tournure sombre et fiévreuse. Mais trop rarement la narration parvient à captiver, et lorsque c’est le cas, on est déjà passé à autre chose, de façon totalement incongrue. Gageons que l’auteur, dont le talent d’artiste du neuvième art est incontestable graphiquement parlant, nous propose la prochaine fois un vrai (et long) scénario de qualité.

Nom série  Monet, nomade de la lumière  posté le 01/05/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Cette biographie retrace les grandes étapes de la vie de l’homme qui révolutionna la peinture au XIXe siècle. On y assiste à sa rencontre avec Eugène Boudin, qui lui transmit sa passion pour cet art, puis avec ses frères d’armes, Renoir, Bazille, Sisley, Cézanne et Pissaro, avec qui il fonda le groupe des Impressionnistes. Pour Monet, il fallait se rebeller contre la dictature de l’Académie, qui voulait maintenir la peinture cloitrée dans les ateliers. Lui, il estimait nécessaire de l’amener au grand air et à la lumière naturelle, d’y faire jaillir les couleurs, mais aussi de privilégier la sensation visuelle au détriment du détail. Malheureusement, ces « révolutionnaires » se heurtaient à la morgue des Académiciens qui les laissaient à la porte du salon des Arts officiel, les empêchant ainsi d’accéder à la notoriété. Mais Monet ne renia jamais son style, convaincu d’être dans le sens de l’Histoire, qui lui donna raison par la suite. Pourtant, sur le moment, il dût faire face à la précarité tout en s’endettant pour subvenir à ses besoins. Il connut des périodes difficiles, notamment avec la perte de son épouse Camille, emportée par la maladie.

Plutôt bien construit, le récit, dominé par la voix off du peintre, s’ouvre sur les derniers moments de sa vie avant d’enchaîner sur un long flashback depuis l’enfance. Salva Rubio s’attache à l’homme en tentant de cerner la passion qui l’animait, car il l’a bien compris : Monet était voué corps et âme à son art. Cette biographie, fidèle à la vérité historique, est davantage une réussite sur la forme. Le traitement graphique est magnifiquement réalisé, s’imposant comme un hommage brillant au peintre impressionniste, dont le style et les toiles sont souvent évoqués avec brio, sans que soit négligé pour autant un certain réalisme. On a parfois l’impression d’être immergé dans les œuvres du peintre, mais Efa, qui visiblement sait rester modeste, évite de singer bêtement la patte de l’auteur des Nymphéas, ce qui d’ailleurs aurait pu se révéler épineux dans le cadre d’une bande dessinée biographique.

Avec « Monet, nomade de la lumière », c’est la lune de miel entre la peinture et le neuvième art qui perdure, et de fort belle manière. Si l’on en croit la préface, l’ouvrage est en outre validé par Hugues Gall, directeur de la Fondation Claude Monet et du musée de Giverny. Des auteurs à découvrir pour (re)découvrir un des plus grands peintres du XIXe siècle dont les œuvres ont conservé toute leur modernité et sont désormais admirées dans le monde entier.

Nom série  Mars Horizon  posté le 17/04/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 3/5 (Pas mal)
Quelque part entre la science fiction et le documentaire, « Mars Horizon » raconte les premiers pas de l’Homme sur la planète rouge avec pour but ultime de la coloniser. Se déroulant quelque soixante années dans le futur, ce récit d’anticipation de Florence Porcel, conçu également comme un ouvrage de vulgarisation scientifique, énumère les quelques dangers auxquels pourraient être confrontés ces premiers immigrés terriens, mais d’une façon très réaliste et sans effets spectaculaires. Point de monstres à quatre yeux ici, pas davantage de pluies de météorites, le plus gros incident mettant en péril certains membres de la mission étant lié aux faibles réserves en oxygène lors d’une expédition sur le terrain. Et même si les protagonistes sont pour la plupart chercheurs ou scientifiques, ils n’en oublient pas pour autant de s’émerveiller devant la beauté de l’espace infini, ou plus concrètement de se livrer à des expériences sexuelles dans l’atmosphère martienne, sachant que le poids du corps est divisé par trois… Cela étant, ceux qui pensent pouvoir se rincer l’œil avec cet ouvrage feraient mieux de calmer leurs ardeurs, ce dernier n’affichant aucune scène explicite leur permettant d’alimenter leur machine à fantasmes…

Quant à Erwann Surcouf, il remplit également bien sa mission martienne, avec son trait minimaliste s’adaptant bien à la « nudité » d’une planète purement minérale et en apparence vierge de toute vie animale et de présence humaine. Son style « imparfait » (et néanmoins documenté pour ce qui est de la représentation des éléments techniques) distille une certaine légèreté dans un domaine dit sérieux et potentiellement plombant pour les esprits les moins scientifiques.

Loin de Star Wars et des élucubrations propres à la SF hollywoodienne nous sommes ! Il n’empêche que ce récit comporte une certaine capacité à faire rêver malgré son réalisme en mode documentaire, et le fait que Mars, ce n’est pas pour demain mais pour seulement après-demain… A défaut d’être franchement passionnant, ce récit reste captivant par son audace et l’esprit pionnier qui l’anime. A noter qu’il s’agit de la première parution de la collection Octopus, dirigée par Boulet, amateur de sciences à ses heures quand il n’utilise pas son pinceau d’amuseur du neuvième art.

Nom série  Homicide - Une année dans les rues de Baltimore  posté le 12/04/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Après une échappée peu concluante vers la fantasy (Mongo est un troll), Philippe Squarzoni revient à un genre qu’il affectionne et pratique avec talent : le documentaire. De son trait sobre et réaliste, il met en images les textes de l’auteur américain David Simon, toujours avec ce même sens du découpage et de la précision affutés, nous faisant pénétrer un univers urbain à la violence sous-jacente, loin des clichés hollywoodiens et autres flics à Miami… Le quotidien de ces flics est plus dominé par la routine que par les poursuites en voitures (ou même à pied), inexistantes ici. D’ailleurs, reflétant bien tout cela, la colorisation a été réduite à un niveau quasi-monochromatique dans une palette désaturée, à l’exception du rouge pour les tâches de sang, ce qui permet de mieux se concentrer sur le propos. Ici, nous sommes à Baltimore, grande cité portuaire du nord-est des États-Unis qui n’invite pas spécialement au rêve. Et comme on est dans un documentaire, c’est une voix off qui accompagne la narration la plupart du temps, les dialogues restant assez rares. On y apprend qu’une enquête est souvent un travail de longue haleine (quand le meurtre est un « whodunit », à l’inverse d’un « dunker »), avec des indices souvent peu nombreux et durs à déchiffrer, et qu’il faut toute l’intuition et la persévérance de ces hommes pour identifier les assassins, face à la pression de la hiérarchie.

« Homicide » saura passionner tous les adeptes de séries et de romans policiers, plus particulièrement ceux privilégiant l’intellect à l’action pure. Et malgré cette impression d’inertie visuelle, l’auteur sait insuffler ce qu’il faut de tension pour retenir le lecteur, fasciné par un univers où la mort semble s’amuser d’une partie de cache-cache interminable. Projet à la fois ambitieux et minutieux de Squarzoni, cette série est prévue en cinq tomes.

Pour l'achat ? Pour l'instant oui, mais à confirmer quand la série sera terminée...

Nom série  Proies faciles  posté le 25/03/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 3/5 (Pas mal)
Dans un contexte international où l’économie et la sacro-sainte finance semblent toujours primer sur le bien-être de l’humanité, ce polar social est une pierre de plus dans le jardin des cyniques et des puissants. Car il faut rappeler ce constat alarmant martelé par le fameux mouvement des Indignés : 1 % de la population mondiale possède davantage que les 99 % restants ! Et le mouvement ne fait que s’accélérer ! Citoyen espagnol, Miguelanxo Prado a déversé sa légitime révolte dans cette fiction qui d’une certaine manière vient venger toutes les victimes de la gigantesque arnaque immobilière qui avait entrainé l’expulsion de leur logement une grande partie de ses concitoyens.

L’histoire est menée à la façon d’une enquête policière ordinaire : meurtres en série, interrogatoires des suspects, fausses pistes et prises de têtes, jusqu’à l’aveu du coupable lui-même, au-dessus de tout soupçon. Tous les codes de la série policière sont quasiment respectés, avec comme personnages principaux un duo de flics, l’inspectrice en chef assistée de son fidèle collaborateur, liés tous deux par un rapport quelque peu ambigu où le jeu de la séduction interfère parfois avec la stricte rigueur professionnelle…

Malheureusement, malgré l’irruption d’un sujet d’actualité hautement passionnant, le récit pêche par une volonté de trop coller au genre et perd son impact en oubliant de ménager ses effets. On est à peine surpris lorsque le coupable vient se livrer de lui-même aux inspecteurs, c’est dire... On sent pourtant bien la sincérité et la révolte de l’auteur qui se retrouvent dans les aveux du meurtrier, et on se prend d’empathie pour lui. Mais ces confidences arrivent un peu tard car pendant les premiers trois-quarts du livre, le lecteur aura été noyé dans des détails plus ou moins anecdotiques liés à l’enquête, avec trop peu de respirations, et in fine c’est l’ennui qui prend le dessus. Un peu à l’image du dessin à la fois réaliste et expressif, quasi maintenu dans son crayonné matriciel, ce qui est loin d’être déplaisant mais ne fait que renforcer cette impression de grisaille narrative. Pour autant, ce n’est pas mauvais, tant s’en faut, mais alléché par un tel pitch, on pouvait s’attendre à quelque chose de beaucoup plus marquant, de plus percutant.

Nom série  La Tristesse de l'éléphant  posté le 18/03/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 3/5 (Pas mal)
« La Tristesse de l’éléphant », c’est l’histoire d’un amour pur entre deux enfants, Louis l’orphelin grassouillet et Clara la jeune et jolie circassienne, un amour qui ne fera que se renforcer avec les années. Mais c’est aussi l’histoire d’une complicité entre ce dernier et l’éléphant Pégase dressé par Clara, deux êtres très différents mais avec beaucoup de points communs : un aspect hors-norme et balourd doublé d’un caractère solitaire dicté par les circonstances, dans le cas de Louis le fait d’être rejeté par les autres gamins de l’orphelinat.

C’est un récit assez touchant et plein de tendresse que nous propose ici Nicolas Antona. Ce quadragénaire signe ici son premier scénario de bande dessinée, tout comme Nina Jacqmin, jeune dessinatrice belge qui l’accompagne de ses pinceaux délicats. Son trait rond et sa technique au fusain, limitée au bleu et rouge pour ce qui est des couleurs, viennent souligner le côté intemporel voire presque désuet de l’objet. D’un point de vue graphique, c’est assez unique, et le simple fait de feuilleter le livre retient immédiatement l’attention. L’atmosphère qui s’en dégage fait qu’on ne peut s’empêcher de penser au cinéma expressionniste des années 20-30.

L’histoire en elle-même est extrêmement simple, avec peut-être un goût de déjà vu, et s’apparenterait aisément à un conte poétique destiné à tous les publics. Même si indiscutablement le propos est sincère, certains pourront toutefois y déplorer une certaine naïveté à la limite du mièvre. De même, si l’ensemble est traité avec pudeur, le pathos de certains passages s’avère redondant. Pourtant, les deux points forts, à savoir le style graphique et la tonalité poétique, méritent le détour.

Nom série  Henriquet, l'homme-reine  posté le 11/03/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 4/5 (Franchement bien)
Après la brillante adaptation de Charly 9, Richard Guérineau poursuit son cycle biographique sur les souverains de France avec le successeur du précité, Henri III, dernier des Valois. Henri III, réputé pour ses tenues extravagantes et pour avoir préféré la compagnie de ses mignons à celle des femmes....

Comme son frère Charles IX, Henri III était un roi haut en couleurs, constituant ainsi un excellent « matériau » pour une bande dessinée. Bien plus détesté que son aîné pourtant à l’origine de la Saint-Barthélemy, notamment par le peuple catholique sous l’emprise de la propagande haineuse de la Ligue, Henri III n’était pourtant pas un roi détestable, tant s’en faut. Ce dernier était un homme doux, humaniste, amoureux des arts et des lettres. Il cherchait à réconcilier les factions rivales durant les guerres de religions qui empoisonnaient la France à cette époque. On lui reprochait également son goût pour les fêtes et ses tenues extravagantes qui le faisaient apparaître très efféminé. Ce qui évidemment faisait de lui une cible très facile pour ses ennemis, dans une période où l’homosexualité constituait un blasphème, deux siècles seulement après l’Inquisition.

Tout en s’étant visiblement très bien documenté sur le personnage, Richard Guérineau en a fait une œuvre de fiction. Et qui dit fiction dit interprétation personnelle. Mais globalement, la restitution historique semble plutôt honnête, sans volonté de nuire ou d’enjoliver quoique ce soit, donc relativement objective. Concernant sa supposée homosexualité, débat qui agite toujours les historiens aujourd’hui, l’auteur a choisi de ne fâcher personne en le présentant comme bisexuel, ce qui paraît plus vraisemblable car ce roi comptait également nombre de maîtresses. D’autres anecdotes parsèment le récit, notamment sur l’apparition des bains à la cour (merci Henri !) ou celle du bilboquet, ce qui poussait certains courtisans malicieux à comparer la boule du jeu au fondement du souverain…

Quant à l’histoire en elle-même, Guérineau a repris le même parti pris original adopté avec Charly 9 consistant à truffer le récit d’intermèdes au style graphique et narratif radicalement différent. Parfois documentaire, avec des pastiches de « L’Illustration », magazine du XIX siècle pour le côté décalé ( !), de vieilles bandes dessinées historiques les plus désuètes, ou encore de strips gaguesques dans la plus pure tradition franco-belge… Tout cela rend le récit très vivant, lequel bénéficie déjà du trait élégant et enlevé de l’auteur.

Même si « Henriquet, l’homme-reine » ne recèle pas la force de son prédécesseur, il reste d’excellente tenue, avec une narration fluide, de l’humour et des textes de qualité, notamment par la truculence des jurons de l’époque proférés par les bouches les plus nobles, y compris celle de Henri III... C’est donc un portrait brillant et équilibré qu’a dressé Richard Guérineau de ce souverain, lequel apparaît au final plutôt attachant, tant par sa majestueuse extravagance que par ses failles, lui qui se disait né au mauvais siècle. Gageons que ce deuxième volume, réussite incontestable, rencontre autant de succès que Charly 9, de sorte à encourager l’auteur à nous narrer la vie d’un autre souverain !

Nom série  Des espaces vides  posté le 05/03/2017 Modifier cet avis Achat conseillé ? Non
Note Note: 3/5 (Pas mal)
Avec cette œuvre semi-autobiographique, l’auteur espagnol Miguel Francisco a tenté de percer le secret de ses origines – une question qui le hante depuis longtemps et continue à le hanter malgré la distance géographique le séparant de son pays - en établissant un pont entre son propre présent en Finlande et le passé espagnol de son père. Ce père dont la vie semble avoir été plombée par les silences découlant d’une douleur trop vive pour être exprimée en paroles… Témoin d’une guerre civile sanglante précédant l’arrivée au pouvoir de Franco, ce père finira par se livrer à son fils, aboutissant à un constat lucide empreint d’amertume et de regrets… On remontera encore plus loin dans le temps avec l’évocation par le père du parcours du grand-père et de son exil en Argentine.

L’auteur a-t-il réussi cette tâche difficile de mettre en lumière le passé enfoui de ses aïeux et combler ces « espaces vides » ? On peut au moins dire qu’il y est parvenu partiellement. Dans l’écriture tout d’abord, qui permet de sentir à quel point Miguel Francisco avait besoin d’exposer cette blessure qu’on ne lui avait pas infligée et qui pouvait « continuer à infecter d’autres générations ». Comme souvent, les mots libèrent les maux de l’âme, et ceux de son père, à défaut de le guérir lui-même car peut-être trop tardifs, constituent malgré leur amertume une exhortation sans nul doute salvatrice. Le père affirme pudiquement qu’il agirait différemment s’il devait revivre ces événements, sans préciser de quelle façon. Car oui, « la vie n’est qu’un souffle de moineau… » et que d’après lui, on se doit de la vivre pleinement.

Incontestablement, « Des espaces vides » recèle une certaine profondeur. Le dessin dans son style semi-réaliste reste plaisant et accompagne raisonnablement cette quête introspective. Par sa rondeur, il vient également adoucir la douleur inhérente au sujet développé, à savoir l’Histoire espagnole au XXe siècle. Pourtant, quelques lacunes surnagent après lecture du récit. Peut-être très absorbé par sa tâche, l’auteur, malgré toute la sincérité de la démarche, semble avoir négligé la narration qui semble par moments tourner un peu à vide. De même, ce roman graphique sur la transmission doublé d’un hommage aux aïeuls peine à émouvoir, ce qui est un peu dommage, et le mode de traitement laisse une vague impression de déjà vu, sans rien dégager de vraiment marquant. Cela ne signifie pas que l’objet ne soit pas digne d’intérêt, notamment pour les remarques évoquées plus haut, mais c’est comme si, pour reprendre le titre, des espaces restaient encore à remplir… C’est toutefois avec une certaine attention que l’on suivra cet auteur, qui signe ici sa première BD. A défaut de l'acheter, on pourra l'emprunter en médiathèque.

Nom série  Axolot  posté le 03/11/2014 (dernière MAJ le 28/02/2017) Modifier cet avis Achat conseillé ? Oui
Note Note: 3/5 (Pas mal)
volume 1

Avant toute chose, il convient de saluer, outre la couverture attirante, la présentation de ce recueil de très belle facture, une invitation réussie à pénétrer le monde étrange d’Axolot. L’axolot (ou « axolotl » en langue nahuatl), c’est une petite bestiole amphibienne vivant principalement au Mexique et qui a donc donné son nom au site puis à la BD de Patrick Baud. « A mi-chemin entre la salamandre et le Pokémon », cette créature a pour particularité de régénérer ses organes endommagés et peut rester à l’état larvaire toute sa vie. Et si là vous me dites « bizarre », je sens bien que ça vous tente de vous y risquer davantage… Cet album est donc bel et bien fait pour vous.

Notre Big Circus s’ouvre en fanfare avec un poulet sans tête, petit numéro fort clownesque et enchaîne sur une séance hitchcockienne de thanatopraxie par un vieux toubib amoureux transi, auxquels succèdent de drôles de créations, de chimères ou d’illusions, allez savoir… Au programme figurent le « vrai Frankenstein », un automate turc champion d’échecs, des monstres issus des ténèbres, le Blob (vu au microscope hilarant de Marion Montaigne), trois Christs pas très sains d’esprit, des zombies danseurs et des poupées macabres.

A l’entracte de cette foire baroque délicieusement lugubre, vous pourrez vous promener parmi des arbres extraordinaires, visiter le cabinet des curiosités incluant un bestiaire fabuleux, ou encore consulter un mage-psychologue qui vous collera les miquettes en vous démontrant comment votre cerveau vous joue des tours… et là, ne vous étonnez pas si au moment où vous refermez le livre, une escouade d’infirmiers force votre porte pour vous passer la camisole, surtout si vous leur racontez que tout est véridique !

En attendant, vous pourrez toujours profiter d’un graphisme varié par des auteurs triés sur le volet (en plus de Marion Montaigne, on notera la participation de Libon, Tony Sandoval, Boulet, Camille Moog, Ewann Surcouf, Geoffroy Monde, Sybilline et Capucine, Adrien Ménielle, Guillaume Long, Yannick Lejeune), le tout formant un ensemble cohérent et passionnant sous la baguette du brillant chef d'orchestre Patrick Baud. L’axolotl est paraît-il une espèce menacée. Espérons qu’il en ira tout autrement pour l'Axolot version BD, œuvre collective et originale à laquelle une suite serait plus que bienvenue.

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volume 2

Julien Neel, Pénélope Bagieu, Fabien Toulmé, Davy Mourier et Leslie Plée, pour n’en citer que quelques-uns, sont venus ajouter leur grain de folie dans cette grande foire du bizarre. Des troubles mentaux sidérants aux rites stupéfiants du règne animal, en passant par les mystérieuses fées de Cottingley, ou encore une étonnante maison dont la construction ne devait jamais finir sous peine de mettre en colère ses fantômes, Patrick Baud poursuit son exploration du monde insolite.

Si un tel format fournit l’occasion aux auteurs qui ont participé au projet de mieux se faire connaître ou de confirmer leur notoriété, il constitue l’air de rien un petit défi résidant dans leur capacité à révéler l’amplitude de leur talent à travers un nombre très limité de pages, tâche sans doute plus aisée avec un album entier. Par exemple, il n’est pas certain que pour ceux qui ne connaissent pas Davy Mourier (« Les Savants fous prêts à tout pour la science »), son humour si particulier soit autant perceptible sur une seule page que dans son hilarante série La Petite Mort.

Certes, même s’il n’y a plus l’effet de surprise par rapport au volume 1, on ressort souvent étonné ou amusé de ce bric-à-brac singulier. On apprend des choses dont certaines marqueront plus que d’autres, plus anecdotiques. Globalement un peu moins captivant que le volet précédent, "Axolot 2" reste de bonne tenue, avec toujours ce soin apporté à la forme, tant dans la couverture que dans la présentation.

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volume 3

Conservant le parti pris éditorial du premier tome, Patrick Baud a proposé à une dizaine d’auteurs de traduire en histoires courtes divers événements et autres faits étranges recensés dans tous les pays et à toutes les époques. Et comme toujours, cela donne un objet très hétéroclite, avec des intermèdes en textes (« Cabinet de curiosités », « M3SS4GES CØDÉS » ) et en illustrations (par Geoffroy Monde, Julie Brouant) entre chaque histoire, toutes d’un graphisme très personnel et souvent original. Parmi les autres invités, on retrouve Boulet (le vieux de la bande, en activité depuis la fin des années 90), Guillaume Long, Steve Baker, Eldiablo, Gally, Stéphane Fert, David Combet et Pierre Place, ainsi que quelques petits nouveaux découverts grâce à leur blog (Margaux Saltel, Lolikata). Il faut bien le dire, certains récits sortent du lot, et c’est bien là tout le défi de pouvoir se faire remarquer dans un format aussi court. Pierre Place est celui qui sort le mieux son épingle du jeu avec « Le Bandit embaumé », une histoire de momie dans l’Amérique de la fin du XIXe siècle... Boulet, lui, a abandonné le ton humoristique décalé de ses « Notes » pour évoquer « Le Fantôme de Greenbrier » avec sérieux mais en conservant sa verve graphique si expressive, tandis que la « petite nouvelle » Lolikata a produit avec « le Poids l’âme » quelque chose de sensible et touchant qui donne envie de découvrir ce que cette auteure peut proposer d’autre.

Les passionnés de mystères et d’insolite qui ont apprécié les deux premiers volumes devraient sans tarder se procurer la pièce manquante de ce qui constitue désormais un triptyque pittoresque agrémenté d’une élégante présentation.

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