Les derniers avis (9256 avis)

C'est en consultant le site que je me suis aperçu que seuls les deux premiers tomes étaient disponibles pour le moment. Je souhaite vraiment que Drakoo n'interrompe pas la série de Mara car j'ai trouvé bien du plaisir à cette lecture tout public. Dans un esprit de comédie type "SOS fantômes" avec un zest de Voldemort, l'autrice délivre un scénario bien ficelé et très tonique. Les personnages principaux sont très attachants bien que très classiques. L'adjonction de l'aviatrice Mary Pickett presque en hommage à l'aviatrice pionnière Bessie Coleman héroïne de Black Squaw est très sympathique. Cela permet d'introduire la thématique du racisme de façon soft mais réelle. J'ai lu les deux tomes avec plaisir même si, ça et là on peut chicaner sur quelques détails de facilité. Graphiquement j'aime bien les deux couvertures proposées par l'éditeur. Le dessin fait un peu dessin animé mais reste agréable. On se situe toujours dans un registre comique assez jeunesse même pour des scènes avec des morts. A l'image du scénario c'est vif et très expressif. La mise en couleur (avec Morgane Bride et Violette Nouvel) propose une belle variété de tons pour coller au différentes ambiances. J'espère une suite dans pas trop longtemps. Je me permets une "petite" MAJ après la lecture d'un excellent T3. Mara y complexifie la personnalité de ses personnages dans un récit flashback à deux voix. C'est très bien huilé et cette double vision donne beaucoup de sel à la narration. On glisse doucement d'un "tout public" à un "Youg Adult" comme le précise la quatrième. En effet Mara introduit des thématiques et des dialogues qui peuvent être moins accessibles à un jeune public. Le fort rebondissement du tome introduit plusieurs nouveaux sujets comme l'être et le paraître, l'homosexualité, les effets pervers d'une découverte scientifique. En effet ce T3 flashback met le personnage d'Anya au centre du récit avec une culture scientifique qui rappelle celle de Marie Curie. Mara équilibre ainsi son récit entre le fantastique/spiritisme (très en vogue à l'époque) et le réalisme historique de la découverte de l'uranium ( porteuse de grands espoirs à cette même époque). C'est très intelligemment construit et donne un récit qui m'a enthousiasmé. Pour le reste nous sommes dans la continuité graphique des deux premiers tomes avec une très très belle couverture. Une série qui a vraiment de "la gueule" dans la forme et le fond. Si le T4 est de la même force je n'hésiterai pas à monter ma note au max.

08/10/2024 (MAJ le 25/02/2025) (modifier)

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Je connaissais le Zidrou humoriste, policier, fantastique voire historique ou presque gore (Marina) et même au centre d'une polémique de stéréotype raciste, mais je n'avais pas encore rencontré le Zidrou poète. C'est chose faite avec cette série qui m'a vraiment beaucoup plu. Les auteurs nous proposent un véritable poème (romantique) d'amour chargé d'une belle émotion. Sa construction est assez étonnante. J'ai emprunté ce volume dans la section jeunesse et effectivement cela débute sur un mode d'illustrations d'un conte pour enfants sur un sujet que je ne connaissais pas: la poste maritime. Cette accroche m'a tout de suite intéressé d'autant qu'elle introduit la thématique principale sur l'amour de la mer et l'amour de son métier. Comme ce poème est aussi conte, le fantastique a droit de cité dans la rencontre avec une baleine vieille comme la terre et la culture humaine. Puis le réalisme reprend ses droits avec un amour à sa belle et quelques planches surprenantes si on les imagine entre les mains de jeunes enfants. Malheureusement même par une belle nuit de mai, les chants les plus beaux … Zidrou se fait alors porteur de la poésie Romantique où la souffrance ( d'un accouchement par césarienne ?) est moteur de la création la plus belle. Il serait injuste de réduire cette œuvre au travail de Zidrou tellement le graphisme de Judith Vanistendael apporte à la série. Ses peintures sont à la fois belles et touchantes. Judith propose un équilibre subtil entre l'illustration posée et le dynamisme des cases BD. C'est une succession de temps forts et de temps faibles qui nous conduit à travers la houle et le danger de vivre toujours présents. Une œuvre surprise bien plus riche qu'il n'y paraît et à découvrir. J'ai été complétement sous le charme.

24/02/2025 (modifier)

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Je me suis vraiment régalé à lire cette série pleine de fraicheur. A travers un scénario d'une grande fluidité les autrices mettent en valeur la thématique du mérite. Flavia expérimente la fameuse maxime sur le génie "1% d'inspiration et le reste de transpiration". Manon Heugel fait de sa petite brésilienne issue d'une favela de Belem une illustration parfaite, touchante et crédible d'un tel parcours. Le second personnage clé de la série est l'Ecole Normale de Musique de Paris qui forme dans l'excellence les concertistes de musique classique. Sans tomber dans un côté documentaire aride les auteurs dépeignent avec une belle humanité le très difficile apprentissage vers l'excellence. Le côté universel du langage de la musique est bien rendu par cette population étudiante issue d'un nombre important de pays. Les autrices y glissent aussi une chronique très réaliste de la vie étudiante où recherche d'argent , isolement de la famille ou attirances sentimentales trouvent une petite place dans un quotidien qui ne tolère pas de relâchement. Le graphisme de Kim Consigny au trait fin donne une allure de reportage à cette histoire. La narration graphique développe ainsi une grande tonicité . Sa belle fluidité vous colle à ce récit qui propose de très belles valeurs sans être guimauve à mes yeux. Une mise en couleur classique mais adéquat participe au grand plaisir que j'ai eu à lire cette série.

24/02/2025 (modifier)

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Dans un royaume qui rappelle la France de Versailles, une jeune noble sans le sou mais volontaire et intelligente quitte sa famille pour devenir demoiselle de compagnie de la reine. Elle va découvrir les manigances qui se trament dans les alcôves du château et devra mettre en action toute sa finesse d'esprit et sa bonté d'âme pour s'en sortir et aider le vieux roi. Quitte pour cela à jouer le rôle de bouffon du royaume... J'ai passé un excellent moment à la lecture de cette BD. Ce que je croyais au départ être la trame d'une aventure historique se rapproche en définitive bien plus du conte pour la jeunesse. Il y a des méchants pas trop méchants, des gentils un peu naïfs, un cadre de palais entre le conte de fées et le Versailles du Roi Soleil, et une héroïne très débrouillarde qui réussit à se sortir de toutes les péripéties par son astuce, sa maîtrise de la langue française, son ouverture d'esprit et sa générosité. C'est une aventure empreinte de bienveillance, peuplée de personnages charmants, de situations pleines de finesse et d'humour, et d'une tonalité aérienne qui illumine la lecture. Le dessin, lui aussi, s'épanouit dans une légèreté lumineuse qui réchauffe le cœur et suscite le sourire. Une lecture chaleureuse, divertissante, dépaysante et pleine d'optimisme. Pour tous publics, même si je trouve que la cible principale est aux alentours de 12 ou 13 ans.

24/02/2025 (modifier)

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Le plus beau rôle : la muse. - Ce tome contient une histoire complète, indépendante de toute autre. La première édition date de 2008. Il a été entièrement réalisé par Edmond Baudouin, auteur de bandes dessinées depuis 1980. Dans le studio du peintre Paul, une modèle est en train de poser nue, debout les bras croisés derrière la tête, pendant qu'il est en train de la peindre. La modèle (la muse) lui fait observer qu'il est vieux. Elle lui demande son âge. Il lui répond qu'elle lui fait penser à sa mère. Il lui propose de faire une pause et de prendre un thé. Elle revêt une robe rouge et lui demande quel est son plus ancien souvenir. Il répond qu'une fois il a été chassé du paradis, mais qu'il ne se souvient plus de ce jour. La muse étant étonnée, il clarifie son propos : il parle de son expulsion du ventre de sa mère, du fait que l'invention du Paradis correspond à la nostalgie du temps avant la naissance. Il continue en indiquant qu'il a passé sa vie à retourner le plus souvent possible dans les femmes, avec ses faibles moyens. Mais cette quête lui a surtout appris à mesurer la distance qui sépare l'homme de la femme. Paul continue d'évoquer son apprentissage des différences entre les hommes et les femmes. Il se rappelle qu'à la cour d'école, les garçons étaient déjà dans une sorte de compétition, pour pisser le plus loin, sauter le plus haut, courir le plus vite, oser dire les mots les plus cochons, etc. Au contraire, les petites filles se livraient à des jeux dont la compétition était exclue. Pour lui, c'est lié au fait qu'elles avaient déjà la conviction inconsciente qu'elles pourraient continuer le monde avec leur ventre, ce qui les rend sereines. Il ajoute que cette course des garçons à inventer des compensations fait l'Histoire. Elle lui demande de lui raconter l'histoire. Il accepte, mais elle doit recommencer à poser. Il énumère la liste de toutes les activités de compensation que les hommes entreprennent : maîtriser, dominer ordonner, créer, posséder, civiliser, construire, détruire, faire à son image. Il parle ensuite de ses 14 ans, quand il réparait sa mobylette en vue d'une course avec un copain, et que Julie est passée devant lui, dans une robe rose, sans lui adresser la parole comme à son habitude. Il n'a pas pu s'empêcher de lui dire qu'elle n'était même pas belle. Ce à quoi elle a répondu que son opinion est le dernier de ses soucis. Tout d'un coup, sa mobylette avait perdu tout intérêt pour lui. Cette bande dessinée s'apparente donc à un long discours sur la nature des différences entre les hommes et les femmes, tenu par un homme ayant essayé de comprendre ces différences, de mesurer la distance séparant les 2 genres et de bâtir un pont par-dessus ce gouffre. D'une certaine manière, il est possible de considérer cet ouvrage comme un essai sur ce thème, avec le discours de ce vieil homme disposant d'une longue expérience et s'étant livré lui-même à cette quête, avec quelques questions de sa muse pour qu'il éclaircisse un point de son argumentation. Le lecteur découvre des pages avec une densité importante de mots, sans qu'ils ne mangent les images, sans qu'ils ne donnent l'impression d'une lecture pesante ou fastidieuse. La prose de l'auteur est claire et simple, offrant une lecture agréable et légère. Ce roman graphique s'apparente donc une œuvre entre psychologie et philosophie. Baudoin indique rapidement que pour lui les différences homme/femme proviennent d'une différence unique : la capacité de la femme de donner la vie, d'enfanter, chose qui reste inatteignable pour l'homme. Il évoque cette conviction dès la page 7. Elle revient régulièrement tout au long des 100 pages de BD, et il la reprend dans sa conclusion en page 97. Pour autant, Edmond Baudoin ne se contente pas de dérouler un texte tout ficelé en le collant dans des phylactères accolés à des têtes en train de parler. Plusieurs surprises attendent le lecteur à commencer par une suppression du quatrième mur, et la muse n'est pas une simple potiche, une chambre d'écho ou un artifice narratif. De la même manière, le déroulé du raisonnement de l'auteur ne se limite pas à un exposé théorique. Quand Paul se met à raconter l'histoire, il raconte la sienne, son histoire avec les femmes. Il évoque ainsi son premier amour, sa première relation sexuelle, les autres femmes, la mère de ses enfants, etc. Baudoin évoque la manière dont Paul se heurte à la réalité, comment chaque rencontre avec une femme l'oblige à revoir ses préjugés, à prendre conscience de la fausseté de ses représentations. Cela commence doucement avec la réalité basique de la différence des jeux entre filles et garçons dans la cour d'école. Cela continue avec des considérations plus sociologiques comme les caractéristiques discriminantes des sociétés patriarcales vis-à-vis des femmes, l'évolution de la représentation des pénis durs de façon imagée avec les pistolets dans les films, la différence entre amour et sexe, la dissociation entre amour et fidélité, l'impossibilité de posséder une femme, les différences de comportement post-coïtal, etc. L'auteur n'hésite pas à aborder les questions de manière frontale, avec des termes explicites, mais sans vulgarité, ni grivoiserie. Il s'interroge honnêtement sur ses idées préconçues, les femmes lui indiquant leur façon de penser. En fonction de son expérience personnelle, le lecteur se reconnaît dans certaines façons de penser, dans certaines remarques, dans le décalage entre ses attentes et la réalité, qu'il soit homme ou femme. Il apprécie la délicatesse, la franchise et la retenue de l'auteur, y compris du point de vue visuel. L'exposé et le fil de vie de Paul abordent sa relation avec les femmes, à chaque fois à partir de son désir sexuel et des relations qui s'en suivent. Edmond Baudoin ne se montre pas hypocrite et représente donc les corps dénudés. Pour autant, il ne s'agit pas d'un ouvrage pornographique (aucun gros plan anatomique ou de pénétration), ni même d'un ouvrage érotique magnifiant une représentation descriptive du corps féminin (ou parfois masculin), encore moins d'un manuel passant en revue les positions. La muse apparaît nue de face dès la première page, sa silhouette détourée d'un trait dont l'épaisseur varie, avec quelques courts traits noirs pour évoquer la toison pubienne, et juste un gros point noir pour le téton gauche. L'artiste s'amuse à reprendre cette représentation simplifiée en page 3, dans un cadrage de la toile du peintre débutant juste en dessous du cou et s'arrêtant à mi-cuisse, avec à nouveau ces quelques tâches noires pour la toison pubienne et les mamelons. Il n'y a pas d'érotisme à proprement parler, mais plus une impression poétique. Ce phénomène se répète en page 9 quand le corps allongé de la muse se dédouble dans cette nouvelle pose, indiquant sa silhouette physique et le début d'interprétation qu'en fait le peintre. De même quand Julie retire son teeshirt sur le lit de Paul adolescent, elle est de trois-quarts de dos, et son torse est détouré d'un trait rouge orangé, sans précision photographique. Baudoin varie sa technique de représentation en fonction de la nature de la scène, de l'état d'esprit des personnages, de la tension sexuelle, de l'attente. Il applique les mêmes modalités de représentation au corps masculin dénudé. S'il n'y est pas sensible ou attentif, il faut un peu de temps pour que le lecteur prenne pleinement conscience de la subtilité de la narration de visuelle. Il ne s'agit pas d'un simple tête-à-tête entre la muse et l'artiste dans son atelier, car lorsque Paul évoque ses souvenirs, ils sont représentés dans les cases, les images montrant le lieu et les personnes évoquées. Edmond Baudoin choisit sa technique de représentation en fonction de la nature de la scène. Il peut détourer les formes avec un trait encré, ou un trait de contour réalisé au pinceau avec une couleur noir, comme il peut passer en mode aquarelle sans trait de contour, parfois même de simples tâches de couleurs pour évoquer la forme d'une tête et de sa chevelure, sans traits de visage. En page 29, le lecteur a la surprise de découvrir une photographie des berges de Seine à Paris, intégrée en l'état, technique utilisée de manière sporadique, la photographie étant parfois retouchée à l'encre ou à la couleur. L'artiste ne s'aventure pas sur le terrain de l'abstraction ou de l'art conceptuel, mais il n'hésite pas à passer en mode impressionniste ou expressionniste quand il souhaite s'exprimer de cette façon. Il ne s'agit pas pour lui d'apporter de la variété au gré de sa fantaisie, mais bien d'exprimer des ressentis en mettant différentes techniques au service de sa narration visuelle. Au fil des pages, le lecteur ressent pleinement cette adéquation entre flux du discours ou des dialogues et caractéristiques visuelles de la séquence. Il perçoit la fibre émotionnelle, l'affect accompagnant les propos. Edmond Baudoin joue également sur la mise en page pour faire fluctuer le rythme, insérant quelques dessins en pleine page, des images juxtaposées sans bordure, même si la majeure partie du temps il s'en tient à des cases rectangulaires avec bordure, sagement alignées en bande. Le lecteur prend donc grand plaisir à découvrir la vision personnelle de l'auteur sur la différence entre femme et homme. Il constate que la différence de la capacité à donner la vie constitue une caractéristique qui éclaire les différences de comportement à la fois sur le plan sexuel et sur le plan du genre. Ce discours aborde également la question de la différence entre amour affectif et amour physique, ainsi que la question de la fidélité. Il se termine avec une ouverture en forme de rapprochement entre l'amour et la peinture, une façon d'être attentif à l'autre et d'être présent, et sur une profession de foi quant à la nature de la vie, la manière de vivre en sachant que la mort suit l'individu toujours à trois pas derrière. Cette bande dessinée est à la fois une thèse sur l'essence de la différence entre les hommes et les femmes, une biographie vue à partir des relations amoureuses, une narration visuelle d'une sophistication et d'une richesse aussi discrètes que justes, une façon d'envisager la vie aussi personnelle qu'attentive à l'autre. En considérant les avancées sociales gagnées par les femmes, l'auteur ne peut constater que l'homme n'est toujours en mesure d'enfanter. Citation : Les plus grands poèmes sur la liberté ont été écrits par des humains privés de liberté. Les hommes ont écrit les beaux poèmes sur l'amour. Est-ce parce qu'ils en sont interdits ? Parce qu'ils le magnifient pour qu'il soit impossible à atteindre ? Toujours ailleurs, dans le paradis perdu du ventre de leur mère.

24/02/2025 (modifier)

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Belle claque, rien d'autre à dire. Si, bien sûr qu'il y a des choses à dire. Déjà, la figure de la sorcière est à mes yeux fascinante, à la fois conséquence de la diabolisation des femmes et des sciences rejetées par les religions monothéistes, et figure monstrueuse (ou en tout cas vue comme telle) sous forme humaine, elle est source de bons nombres de bonnes histoires. Ici, la sorcière est utilisée pour symboliser la peur, la peur d'autrui, la peur de soi-même, la peur de ce qu'on est capable de faire. Les scènes sont viscérales, les personnages vivent des choses horribles, sont capables de choses tout aussi horribles, sont traqués comme des animaux, … L'histoire prend aux tripes, en tout cas elle m'a prise aux tripes. Les violences corporelles, les défigurations, les émotions et passés chaotiques des personnages, les noms étranges et pourtant si significatifs, les dessins aux traits parfois tremblant, les visages déformés, la belle bichromie, … Vraiment, tout ça m'a fait rentrer dans l'histoire très vite et a maintenu mon attention jusqu'au bout. Coup de cœur, hâte de lire la suite.

23/02/2025 (modifier)

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Cet album a reçu bon nombre d'éloges, je compte bien m'ajouter. L'histoire est bonne, plus fine et réfléchie que l'on pourrait croire à l'introduction, et compte bien explorer et remettre en question les différences d'expressions et d'attentes du genre (ou des genres) dans la société, ainsi que la fâcheuse tendance qu'on certaines personnes se présentant comme vertueuses de vouloir vilifier et contrôler les personnes qu'elles jugent comme inférieures, impures et tentatrices (les femmes, les homosexuel-le-s, …). Tout le cœur du récit tourne autour de Bianca, mariée par ses parents à un homme qu'elle a à peine rencontré jusqu'ici, et qui, souhaitant en apprendre davantage sur son nouveau mari, va revêtir l'un des objets les plus précieux de sa famille : une peau permettant à quiconque l'enfile de devenir en tout point (en tout cas physiquement) un homme. Bianca devient donc Lorenzo et se rapproche de Giovanni, son mari, tombant progressivement amoureuse de lui. Sauf qu'un petit bémol va lui apparaître : Giovanni est homosexuel, et bien qu'il tombe éperdument amoureux de Lorenzo, Bianca ne pourra jamais réellement être aimée de lui comme elle l'aime. Doit-elle oublier sa vie de femme et ne plus être qu'un homme ? Doit-elle continuer d'espérer qu'un jour Giovanni aime autant Bianca qu'il aime Lorenzo ? Est-il judicieux de goûter à la liberté et à un monde que l'on affectionne quand tout ce qui nous entoure nous maintient que cela nous est inaccessible ? Surtout que le frère de Bianca, nouvel ecclésiastique zélé, compte visiblement purifier le lupanar que semble être devenue la ville à ses yeux. Un récit intéressant, une situation prenante, des personnages mine de rien complexes, un questionnement des codes de genres, un discours très à propos sur le regard et le vice, … L'album est très bon, que dire de plus ? Ah, si, que le dessin de Zanzim est très joli !

22/02/2025 (modifier)

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Bon, je ne vais pas trop m'étaler, tout à déjà été dit ou presque, et puis : 5/5 + coup de cœur, tout le monde aura compris ce que je pense de la BD. A priori, j'étais pourtant un peu sceptique au départ, quel rapport, me disais je, entre Hermann et romain Renard ? Ou entre Commanche / Red Dust et Melville ?, pour le dire autrement. Sauf que, rien à dire, c'est vraiment de la belle ouvrage. C'est fin, bien amené, et, même les aspects un peu 'attendus' (comme l'acmé finale, une fois arrivés au ranch) passent très bien. On retrouve notre Red Dust, vieilli, et gris comme le dessin qui lui redonne vie, symbole d'un monde qui disparaît (ou a déjà disparu). L'opposition avec l'autre protagoniste, une jeune femme enceinte, cette opposition est donc poussée au maximum, leur sexe, leur âge, leur trajectoire personnelle, lui donne la mort quand elle donne la vie, bref, difficile de pousser plus loin le ressort antagoniste, et pourtant, une réelle affection, un profond respect mutuel, une forme de compréhension réciproque intime va naître progressivement entre ces deux là, que tout opposait au départ. Une fois encore, on pourrait critiquer, et dire que l'on s'y attend, rapidement, pour ne pas dire dès le départ, mais, c'est tellement bien construit, qu'on marche à fond. Enfin, bien sûr, impossible de ne pas dire un mot sur le dessin, vraiment envoutant, qui met en valeur cette nature à la fois belle et presque aussi menaçante que la nature humaine, par moments. Je pourrais dire un mot du superbe travail sur les angles de vue aussi, qui fait de romain Renard, un véritable metteur en scène. On se prend d'ailleurs à imaginer une adaptation cinématographique d'une telle œuvre, avec, imaginons, un Eastwood derrière la caméra (puisqu'on parlait de vieux messieurs symboles d'une époque qui passe...), le scénario lui irait très bien en tout cas, bref, on se plaît à évoluer, et à rester dans cet univers. Une grande et belle BD, vraiment.

22/02/2025 (modifier)

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Je ne m'attendais certainement pas à autant apprécier cette lecture, et pourtant j'avoue même avoir eu un petit coup de cœur. Je ne connais les romans dont cette série est adaptée que de nom, et n'avais jusque là qu'une vague idée du scénario. J'avais peur à l'origine qu'Enola soit un simple ersatz féminin de Sherlock Holmes mais je trouve que l'autrice a su bien individualiser cette benjamine de la famille. Enola n'aime pas les corsets, Enola ne veut pas se marier, sa mère a toujours désirée la laisser développer son désir d'indépendance et lui a inculquée une vision des droits de la femme bien inspirée des suffragettes. Alors, quand sa mère disparaît mystérieusement le jour de son quatorzième anniversaire et que ses deux frères (ayant plus ou moins abandonné leur famille il y a de ça belle-lurette) reviennent avec l'intention d'envoyer Enola dans un pensionnat, elle décide de fuir. De fil en aiguille, Enola se retrouvera à jouer les enquêtrices de fortunes, cherchant à aider les infortuné-e-s, tout en devant changer sans cesse de costumes et d'alias afin d'échapper à ses frères. Chaque album est une aventure indépendante, mais du premier jusqu'au sixième album nous suivons également l'intrigue familiale d'Enola et son enquête pour retrouver sa mère. J'ai beaucoup aimé cette série, donc. D'une part Enola est adorable (je dis ça à la fois pour son caractère très empathique, sa droiture, sa fougue, et surtout pour la jolie bouille que lui donnent les dessins de Serena Blasco), d'autre part j'ai trouvé qu'elle s'insérait dans le canon de Conan Doyle de manière mine de rien assez maligne. Tout aussi brillant qu'il soit, Sherlock reste un homme de son époque et sa vision des égalités homme-femme est, il faut le dire, vraiment misogyne, mais contrairement à ce que certaines personnes pourraient dire (j'anticipe) cela n'est pas du tout une extrapolation de Nancy Springer. J'invite qui que ce soit qui en douterait à lire (ou relire) "Un scandale en Bohême", pas forcément l'histoire la plus connue du public mais contenant un personnage lui bien plus connu : Irène Adler. Tout le sel de cette enquête, le fait que les gens ont retenu le nom d'Irène Adler (la rendant presque essentielle au canon de l'œuvre selon de nombreuses adaptations) c'est qu'elle est parvenue à se montrer plus maligne que Sherlock. Le grand Sherlock, brillant mais également très orgueilleux, homme de son époque, n'avait pas anticipé qu'une femme puisse lui jouer une entourloupe et ce sont ses préjugés qui lui ont coûté la réussite de cette affaire. Si Sherlock tient Irène en respect, c'est parce qu'elle lui a ainsi rappelé que même lui n'était pas infaillible et qu'à trop sous-estimer ses adversaires on risque la défaite. Alors étendre cette idée et continuer d'appuyer que sa vision souvent condescendante du genre féminin l'empêche de réussir à gérer sa sœur chaotique et l'empêche de trouver les solutions d'affaires concernant des femmes aussi vite qu'elle est assez pertinent. Les idéaux féministes d'Enola sont eux aussi bien géré, on ne les rends pas anachroniques : Enola se bat et croit en des droits intemporels comme la liberté et l'égalité, ou bien des droits liés aux problématiques de l'époque comme les corsets étouffants et les mariages forcés. Au delà des propos féministes, j'ai trouvé les récits en eux-même assez bien écrits. Les enquêtes ne sont pas très complexes mais rondement menées, bien narrées, le dessin se permet quelques petites folies de mise en scène, l'intrigue familiale des Holmes est prenante, les codes sont assez amusants à déchiffrer (la série aime BEAUCOUP les messages codés, préparez-vous à en voir souvent) et j'ai trouvé que les petits carnets de dessins et de notes (censés être extraits du journal d'Enola) présents à chaque fin d'album étaient un plus vraiment bienvenu. Je le redis, la lecture me fut très agréable, la série est de très bonne facture. Je suis d'ailleurs surprise qu'il n'y ai pas plus d'avis sur elle que ça. Une excellente série pour les jeunes et pré-adolescent-e-s. (Note réelle 3,5)

22/02/2025 (modifier)

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Contentement / désappointement / insatisfaction - Ce tome contient une histoire complète et indépendante de toute autre, qui présente la particularité d'être dénuée de mot, ni dialogue, ni récitatif. Cette histoire a été publiée pour la première fois en 2015, écrite, dessinée et encrée par Grégory Mardon, qui a également réalisé la mise en couleur. Le soleil se lève sur une grande mégapole qui ressemble fortement à New York. Un homme marié, père de 2 enfants, prend son petit déjeuner dans la cuisine inondée de soleil, avec eux. Il a le regard dans le vide. Les enfants mangent, son épouse s'affaire autour de la table en téléphonant. Elle lui touche l'épaule pour le faire redescendre sur Terre. Il regarde l'heure se rend compte qu'il faut qu'il y aille. Il enfile sa veste, les parents et les enfants prennent l'ascenseur et se séparent sur le trottoir. L'homme fait l'effort de s'éloigner de l'entrée de l'immeuble et de s'insérer dans le flux ininterrompu de piétons. Il éprouve une conscience aigüe de la hauteur des gratte-ciels, du flux de piétons sur le trottoir, du flux de voitures sur la chaussée. Il prend de l'argent au distributeur automatique, donne quelques pièces au sans abri assis à côté, prend un journal au kiosque du coin de la rue, commence à lire le journal en marchant. Il attend sur un quai de métro bondé. Il lit son journal tant bien que mal dans la rame elle aussi bondée. Au fil des articles, l'homme lit des informations sur un homme politique faisant un discours devant une foule, une manifestation militante, une émeute, l'intervention de forces de l'ordre casquées et armées, une guerre, des victimes civiles, le recours à des bombardements, une pub, la pollution industrielle atmosphérique, un cyclone dévastateur, une pub, l'exploitation des ressources fossiles, une exécution par des fanatiques, une pub, le déversement de d'ordures ménagères en décharge, la pollution industrielle atmosphérique, la pollution des eaux, l'immense trafic routier sans fin, la surconsommation, la violence, l'omniprésence des marques, etc. Il sort du métro, rentre dans un gratte-ciel, prend un dossier que lui tend une secrétaire, s'installe à son bureau d'architecte, passe en revue des plans, des projets, se rend sur un chantier, retourne au bureau jusqu'à tard le soir, passe au club de gym, rentre chez lui, embrasse ses enfants, sort au restaurant puis au spectacle avec sa femme. Ils sortent dans un club branché ensuite, et rentrent enfin chez eux. Il perd une dent en se les brossant avant d'aller se coucher. La nuit, il n'arrive pas à dormir. Le lendemain, un mauvais geste fait que son portefeuille tombe dans un avaloir. Il se met à pleuvoir. Quand il se remet en marche vers son bureau, il éprouve la sensation de ne plus faire partie des gens autour de lui. Au bout d'une rue, il aperçoit l'océan. En commençant cette bande dessinée, l'horizon d'attente du lecteur se trouve déjà conditionné par 2 paramètres : cet ouvré est publié par Futuropolis, maison d'édition réputée pour son ambition, et il s'agit d'une bande dessinée sans un seul mot, ni dialogue, ni didascalie, ni cartouche de texte. Il voit que cette histoire se déroule sur 220 pages ce qui est rassurant car d'expérience il faut beaucoup plus de cases quand une bande dessinée se prive de l'interaction entre image et texte. Ensuite, le titre (le seul texte : un substantif avec son article) annonce le thème et les premières pages explicitent qu'il s'agit de l'échappée d'un homme du milieu dans lequel il vit. La prise de contact avec la narration qui est donc 100% visuelle se fait avec la couverture : une image d'une grande expressivité, un homme sortant du flux d'individus pressés et qui a déjà commencé son chemin dans un territoire vierge, ici incarné par le blanc de la page. Le lecteur peut déjà observer une première caractéristique étonnante des dessins de Grégory Mardon pour cet ouvrage : les personnages semblent à la fois avoir été représentés rapidement, dégageant une impression de spontanéité, et à la fois ils présentent des particularités les rendant tous singuliers. Ce trait en apparence rapide et souple apporte une vie à chaque individu qu'il soit un premier rôle, un second rôle ou un simple figurant. La simplification du contour des personnages et des traits de leur visage facilite la projection du lecteur en eux, et les rend plus expressifs. Cette histoire repose autant sur une intrigue (Dans quel endroit arrive l'homme ? Que va-t-il y découvrir ? Par qui et comment sera-t-il accueilli ?) que sur un suspense psychologique (trouvera-t-il un ce qu'il cherche ? Un ailleurs où il peut s'épanouir ?). Tout du long de ces pages, le lecteur perçoit pleinement l'état d'esprit de l'homme quelle que soit la nature de l'émotion qui l'habite : légère hébétude née du ronron anesthésiant et bruit du quotidien, impassibilité pendant la descente en ascenseur avec des inconnus, sourire de circonstance pour dire au revoir aux enfants à l'école, assurance professionnelle sur le chantier, énervement lors de la perte de sa carte bleue, ténacité lors de la lutte contre les ronces, hébétude souriante dans le village parfait, rage animale dans la jungle, etc. Alors même que l'homme n'exprime jamais en mot les ressentis qu'il éprouve et les réflexions qu'il effectue en réaction aux événements, à sa situation, à ce qu'il observe, le lecteur peut suivre le cheminement de sa pensée. Grâce à une narration visuelle élégante et sophistiquée, le lecteur voit l'homme réfléchir, peut même reconstituer des processus mentaux complexes. Afin de s'assurer d'une lecture active, l'auteur met en œuvre un procédé osé à partir de la page 13 pendant une quinzaine de pages. Précédemment, la logique de la succession des cases procède d'un lien de cause à effet directe, essentiellement sur une base chronologique, un moment succédant à un autre, le lecteur n'ayant qu'un effort minimal à fournir pour faire le lien : par exemple l'homme et sa famille dans l'ascenseur suivi par la famille dehors sur le pas de porte de l'immeuble. À partir de la page 13, le lecteur se retrouve devant des images accolées : d'abord 6 pages en 3 lignes de 2, puis à raison de 9 par pages à partir de la page 25, puis 12 par pages à partir de la page 26, puis 24 par pages à partir de la page 28. Le lecteur doit s'investir un peu plus dans sa lecture pour comprendre qu'il s'agit des thèmes évoqués dans le journal lu par l'homme dans les transports en commun, puis d'une forme d'association d'idées automatique. La narration a insensiblement basculé dans un autre domaine : d'une forme de reportage naturaliste, vers un domaine conceptuel où la juxtaposition d'images en nombre croissant rend compte d'une surabondance, d'une sollicitation sans fin de l'attention de l'individu par des images choisies ou fabriquées par une société dont les médias renvoient une image de violence (conflits de nature diverses) et de surconsommation (publicités sans fin à l'inventivité infinie avec le seul but de provoquer la consommation de l'individu). Le lecteur se retrouve devant le constat de l'hypermodernité (une abondance sans fin), d'un flux incontrôlable toujours plus rapide (que ce soit le flux de piétons, le flux d'informations, le flux de produits créés uniquement pour déclencher l'impulsion d'achats, le flux d'images ou de concepts créés dans le seul but de stimuler les centres du plaisir). Après ces 16 pages, le lecteur a conscience qu'il ne découvre pas seulement un exercice de style (narration exclusivement visuelle), une étude de caractère (la prise de conscience d'un homme quant à son ressenti sur la vie qu'il mène), mais aussi une réflexion philosophique sur la réalité des forces motrices de la société moderne. Ce passage change complètement le ressenti du lecteur sur l'ouvrage, avec le constat de sa dimension philosophique. Pour autant, le lecteur continue d'apprécier l'histoire au premier degré. Grégory Mardon ne sacrifie en rien la minutie de la narration visuelle par la suite. Il continue de donner vie aux êtres humains (et aux animaux dans la dernière partie) avec une élégance épatante. Il continue de décrire les environnements dans le détail : une belle vue de dessus du salon cuisine de la famille de l'homme, une vision très juste du flux de piétons et de voitures dans la rue, l'étonnant assemblage des personnes en train d'attendre sagement et de manière disciplinée sur un quai de métro, des tapis de course dans une salle de sport en étage, les ronds dans l'eau générés par les gouttes de pluie, les transats alignés sur le pont supérieur d'un paquebot, la forme des vagues dans un océan déchaîné, la granulosité de falaises infranchissables, la répartition des petites maisons dans un village à flanc de colline, la luxuriance de la flore dans la jungle. Grâce aux détails, chaque lieu est unique et devient tangible et plausible. La lecture s'avère d'une facilité épatante : les pages se tournent rapidement et le lecteur éprouve la sensation de progresser à bonne vitesse dans le récit, sans s'ennuyer, sans avoir l'impression qu'il doit passer plus de temps sur les pages, sans que le récit ne se déroule trop vite, sans qu'il sente que la fin arrive de manière précipitée. S'il y prête attention, le lecteur observe que Grégory Mardon met en œuvre un vocabulaire et une grammaire visuelle étendus, sans pour autant être démonstratif. Dans un récit où ce qu'observe le personnage principal revêt une importance capitale, l'artiste réalise 19 dessins en pleine page. Le lecteur les perçoit à la fois comme l'importance que l'homme accorde à ce paysage ou ce spectacle, à la fois comme une invitation à prendre lui aussi ce temps, à la fois comme une petite respiration entre 2 pages de suite de cases. Il y a également 7 dessins en double page, à nouveau une indication de l'importance primordiale de ce moment pour le récit, à la fois un spectacle méritant qu'on lui consacre 2 pages. En termes de composition de pages, Mardon peut passer d'un dessin en double page à 24 cases par page. Il utilise des cases de format rectangulaire ou carré, sans bordure tracée, ce qui est en phase avec le thème de l'échappée. Il réalise une mise en couleurs de type bichromie : vert de gris ajouté au noir & blanc pour la première partie, bleu azur pour la deuxième partie, et vert anis pour la troisième partie. Parmi les autres caractéristiques picturales, le lecteur peut trouver des ombres chinoises (page 31), l'utilisation d'un pictogramme (pour un phylactère en page 37), de gros aplats de noir pour un fort contraste (par exemple la danseuse en page 40), des contrastes également entre le blanc et la couleur (l'océan en vert / le ciel en blanc en page 53), un travail remarquable sur le langage corporel que ce soit pour l'homme ou pour les autres personnages. Pour ce dernier point, le lecteur remarque que les postures de l'homme varient fortement, avec un registre différent pour chacune des trois parties. Au fur et à mesure de sa progression dans le récit, le lecteur prend également conscience que certains éléments revêtent une signification symbolique. Il en acquiert la certitude avec la forêt de ronces en page 102 & 103, lui rappelant celle de la Belle au Bois dormant. De la même manière les falaises forment un mur infranchissable, l'empêchement de pénétrer dans le site suivant. Rétrospectivement, il se dit que le départ en paquebot de l'homme participe également de la narration d'un conte. Avec cette idée en tête, il comprend que les environnements des deuxième et troisième parties sont plus conceptuels que littéraux, et il devient logique que le récit ne s'attarde pas sur des aspects comme la maladie ou les blessures. Avec l'idée que le récit agit comme un conte, le lecteur comprend mieux les choix narratifs et l'intention de l'auteur. L'homme cherche à s'échapper de son milieu urbain dont les caractéristiques sont montrées avec limpidité, et mener une autre vie. L'échappée ayant réussi, il peut alors mener une vie dans une société utopique, puis dans un environnement sauvage, une sorte de retour à l'état naturel. Le lecteur participe alors bien volontiers au jeu des comparaisons entre les 3 modes de vie successifs de l'homme. Il observe comment le deuxième environnement lui apporte ce qui lui manquait, dans le premier, et de même avec le troisième par rapport au deuxième. Le thème principal du conte apparaît alors : à la fois celui de l'échappée, mais aussi celui de l'envie, de l'insatisfaction, de l'impossibilité à se contenter de ce qu'on a. L'homme a conscience de ce que lui apporte chaque environnement, mais il ne peut s'en satisfaire. Il éprouve le besoin de découvrir, d'aller voir ailleurs, d'explorer de nouveaux territoires, de conquérir. Grégory Mardon met ce besoin en vis-à-vis d'autres besoins : la sécurité, les besoins affectifs, la sexualité, la faim, l'autonomie… Il laisse le lecteur libre de réagir à ce qui lui est montré, de se comparer à l'homme, de mesurer lui-même ce qu'il a payé pour bénéficier de la situation dans laquelle il se trouve, de ce qu'il souhaite obtenir de plus, tout ça de manière visuelle, sans nombrilisme d'artiste, ni discours académique. Une bande dessinée sans texte ni dialogue constitue une source de plaisir immédiat irrésistible : lire une histoire sans avoir d'effort à faire pour lire, avec le spectacle des images. Le lecteur se rend compte de l'adresse de Grégory Mardon par l'absence : aucune difficulté de compréhension, tout coule de source et s'enchaîne naturellement, une vitesse de lecture rapide sans être frénétique ou épileptique, et une histoire avec de la consistance. Avec la séquence de ressenti d'une société hypermoderne, il perçoit la nature philosophique du récit, et en a la confirmation avec quelques éléments dont le symbolisme est évident. En plus du plaisir du voyage et des découvertes, il accompagne la réflexion de l'homme sur son état, sur son envie d'avoir envie, sur son besoin de conquérir, se situant lui-même par rapport à ces besoins.

22/02/2025 (modifier)

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